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lunes, 6 de abril de 2009

¡Feliz cumpleaños!: Leonora Carrington cumple hoy 92 años: entrevista 6 abril 2009

  • La artista Leonora Carrington cumple hoy 92 años, con ese motivo habla con La Jornada
  • Los jóvenes no me piden consejos; piensan que estoy fuera de moda
  • Mientras recorre su casa, la creadora, traviesa y bromista, apenas habla de su actual proyecto, porque se me van las ideas, así como de su infancia y de la situación de la mujer en la actualidad
  • Foto
Merry MacMasters
2007/09/leonora-carrington-estación-indianilla ESCULTURAS
kikka-roja.blogspot.com/2009/02/tributo-leonora-carrington-en-el-museo
kikka-roja.blogspot.com/2008/05/remedios-varo-5-llaves-museo-de-arte
Con miras a ser centenaria, la pintora Leonora Carrington se muestra ágil, traviesa, bromista y muy buena anfitriona. Fuma a sus anchas, porque en mi casa no pido permiso. Niega saber algún secreto para mantenerse tan bien. Mientras tanto, su perra Yeti, la abominable reina de las nieves, se convierte en el centro de atención.

En entrevista con La Jornada, con motivo de que hoy cumple 92 años, la artista surrealista recuerda que tiene pendiente un trabajo, pero no he empezado del todo. Tengo que diseñar una botella.

Se trata de un nuevo diseño para Tequila Cuervo. Ya le mandaron el envase –vacío– que yace sobre la mesa de la entrada. Hace dos años, Carrington creó el personaje La Reina del Tequila, escultura en plata con forma de mujer-maga, con atributos zoomorfos, para la edición especial de la empresa: 1800 Colección.

La presentación de la licorera, en el Centro Cultural Indianilla, sirvió para festejar los 90 años de la pintora y escultora, ya que entonces no estaba en México. Cuando se le recordó que su hijo Gabriel Weisz y su familia la llevaron a San Diego, donde vio las focas, comentó: Vi algunas. Todas estaban sentadas en fila mirando el mar. No estaban nadando.

Aunque apenas trabaja en las ideas para el diseño, dice que prefiere no hablar de ellas, porque se me van.

–¿En qué consiste su día?

–Muchas veces no hago nada. Saco al perro a caminar.

–¿Le gustaría hacer un nuevo viaje?

–Con el tiempo estaría bien. Me gustaría ir a Europa, pero como queda un poco lejos resultaría un viaje largo para mí sola. (No le gustan los aviones. Antes, tomaba un tren a Nueva York, de donde zarpaba en barco para East Hampton.)

–¿A Inglaterra?

–Sí, y a París.

–¿Guarda buenos recuerdos de París?

–De París, sí, de hace mucho tiempo.

–¿Fue un periodo feliz en su vida?

–Supongo que sí, no me acuerdo, una mezcla, como cualquier periodo.

–Pienso que usted es una persona feliz.

–¿De veras? No estoy segura.

El pasado 12 de febrero, Carrington fue objeto de un homenaje de un grupo de amigos (Elena Poniatowska, Carlos Fuentes, Carlos Monsiváis, Ramón Xirau y José Luis Cuevas) en el museo de éste último, recinto que es de su particular agrado. Luego, el 2 de marzo fue presentado el libro Leonora Carrington: un mural en la selva, con texto de su hijo Gabriel, que versa sobre la criatura enigmática que su progenitora pintó en la antigua casa de Plutarco Gastélum Esquer, en Xilitla, San Luis Potosí.

Hoy, es probable que la artista vaya a comer con su familia a un Sanborn’s, su restaurante favorito, donde tal vez pida unos huevos a la mexicana, porque no come carne.
Foto
La artista trabaja ahora en el diseño para una empresa de tequila. En la imagen, Carrington, en su casa, donde ofreció la entrevista a este diarioFoto Marco Peláez

Carrington dice que no tiene ninguna exposición en puerta, entre otras razones, porque no tiene suficientes pinturas nuevas para una.

–¿Qué tanto contacto tiene con los artistas jóvenes?

–Muy poco.

–¿Le llegan a pedir consejos?

–No (risa), piensan que estoy fuera de moda para ellos.

–¿Por qué?

–Porque no soy abstracta.

–Si un artista joven o alguien que apenas empieza le pidiera un consejo, ¿qué le diría?

–Bueno, depende de la persona. Tendrían que mostrarme que han hecho hasta el momento, y tal vez les daría una opinión. No siempre es útil un consejo.

–¿Se necesita cierto espíritu para ser artista?

–Se necesita cierto espíritu para jugar futbol. Solía jugar rugby con mis hermanos, cuando tenía unos cinco años.

A Carrington siempre le han interesado los asuntos relacionados con la mujer. Reconoce que la situación femenina está mejor ahora que cuando era joven. He visto mucho mejoramiento. Trae a la memoria: Cuando llegué a México (en 1943, a consecuencia de la Segunda Guerra Mundial) los hombres estaban en un cuarto y las mujeres en otro. No entendía eso. No pasaba en Francia ni en Inglaterra. México ha cambiado desde que llegué. Para mí, pasa mucho en la ciudad de México: bueno, malo e indiferente, como en todos lados.

La entrevistada ya conducía antes de venir a México, pero aquí le dio miedo: Usaba ambas manos, soy ambidextra, confundo izquierda y derecha. Estaba acostumbrada a manejar en un lado diferente de la calle. Cuando fue a sacar su licencia, la persona que la atendió le dijo: la voy a pasar, pero usted será un peligro público.

Sigue un recorrido por la casa que, a decir de la anfitriona, no tiene nada de especial. La planta baja ya luce dos arreglos florales; uno trae una tarjeta de Consuelo Sáizar, titular del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes. El siguiente piso destaca por sus estantes de libros, unos en inglés y otros en español. Mientras Carrington prefiere leer en inglés, su esposo, el fotógrafo húngaro Emérico Chiki Weisz, fallecido en 2007, lo hacía en español, porque dónde iba a conseguir libros en húngaro aquí, como anota doña Leonora.

La artista lanza al aire la siguiente pregunta: ¿Cree en la vida después de la muerte? Después de reflexionar un momento, se responde: Tiendo a pensar más que existe algo, a que uno muera y no haya nada.


kikka-roja.blogspot.com/

lunes, 26 de mayo de 2008

Mujer libélula y texto inédito: Remedios Varo en el MAM

  • MUJER LIBÉLULA
  • RECETA: PARA SOÑAR QUE SE ES REY DE INGLATERRA
  • HOMO RODANS
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Muy divertida.... vayan vayan vayan
Abren su universo con Cinco Llaves
Édgar A. Hernández
El Museo de Arte Moderno conmemora el centenario del natalicio de Remedios Varo con una restrospectiva que incluye piezas inéditas. Tres obras inéditas y un manuscrito recién descubierto de Remedios Varo (1908-1963), forman parte de la muestra retrospectiva con la que el Museo de Arte Moderno (MAM) conmemora el centenario del natalicio de la pintora surrealista.

La pintura Mujer libélula, el manuscrito Sueños y recetas y el boceto de la obra Descubrimientos de un geólogo mutante son las piezas que tiene como primicia la exposición Remedios Varo. Cinco llaves, curada por Teresa Arcq, la cual también exhibe la pintura Creación con rayos astrales, cuyo paradero se desconocía desde 1961. La exposición se divide en cinco núcleos temáticos que buscan, según Arcq, descubrir parte del misterio que hay detrás de la obra de la artista de origen español radicada en México, a través de su relación con el surrealismo, la arquitectura, la literatura, los sueños y el misticismo. “La muestra explora la inserción de Varo dentro del movimiento surrealista. El papel que desempeña la arquitectura como metáfora de la condición humana, como espacios del inconsciente. La relación de sus pinturas con la literatura y la poesía, basada en el estudio de los libros que integraban su propia biblioteca. La interrelación entre los sueños de la artista, que tuvo el cuidado de anotar y preservar, con algunas de sus obras. Y por último la influencia de los místicos rusos Gurdjieff y Ouspensky en la transformación de su obra”, indicó Arcq.

Con alrededor de 50 obras, la muestra se compone de 21 piezas que forma parte del arcevo del museo, provenientes de la colección donada por Walter y Anna Alexandra Gruen, así como 28 obras que fueron prestadas por coleccionistas privados de México y el extranjero, además de una pieza que prestó el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires. La exposición, abundó la curadora,trae nuevas perspectivas de estudio, como son la denominada llave arquitectónica, donde se propone que Varo incluyó elementos arquitectónicos en sus cuadros como una metáfora del inconsciente y de los arquetipos colectivos. “La llave literaria propone una revisión de su obra en relación a lo que ella leía (Poe, Lovecraft, Huxley, entre otros), que forma parte de su biblioteca y, que da pautas para entender el imaginario de sus cuadros, que al mismo tiempo están construidos como relatos”, indicó.

Una línea importante de interpretación, dijo, es el núcleo llave mística, donde se profundiza en su búsqueda espiritual y en la influencia que tuvo sobre su obra los místicos rusos Gurdjieff y Ouspensky. Al ser cuestionada sobre la autentificación de las obras inéditas que presenta la exposición, Arcq indicó que en el caso de la Mujer libélula, que no se tenía nungún registro previo, la pieza fue autentificada por Gruen, compañero sentimental de Varo y autor de su catálogo razona, además de que dentro de las procedencias de la obra se pudo comprobar que su antigua propietaria habían tenido relación con la artista. Otro caso, explicó, fue el de Creación con rayos astrales, que sí aparece en el catálogo razonado, pero que se había perdido su rastro desde hace cuatro décadas. Sobre el manuscrito y el boceto que se exhiben por primera ocasión, Arcq aseguró que se tiene documentación que ya daba cuenta de su existencia.



Kikka Roja

martes, 20 de mayo de 2008

Remedios Varo 5 llaves: Museo de Arte Moderno: Jueves 22 de mayo 08

Presentación: El libro "Cinco llaves del mundo secreto de Remedios Varo"
a las 19 horas
Exhiben obras inéditas de Remedios Varo

MÉXICO, D.F.(EFE)

Cuatro obras de arte inéditas de la pintora española Remedios Varo serán exhibidas a partir del jueves en el Museo de Arte Moderno de México (MAM), una exposición que reinterpreta la creación de la artista en el centenario de su nacimiento, indicaron hoy fuentes del museo. Las obras nunca antes vistas por el público son "Mujer Libélula", cuya existencia no estaba documentada y recientemente ha sido autentificada; un boceto de "Descubrimiento de un geólogo mutante", el manuscrito original "Sueños y recetas", y la pintura "Creación con rayos astrales", que estaba desaparecida desde 1961, explicó a Efe la comisaria de la exposición, Tere Arcq. La muestra, llamada "Remedios Varo. Cinco llaves", está compuesta por medio centenar de obras de la artista, incluida la única escultura que se le conoce, "De Homo Rodans", realizada en los años cuarenta del siglo pasado con huesos de pollo, pescado y pavo. El nombre de la exposición no es casual, pues hace referencia a cinco formas de aproximarse a la obra que la pintora española desarrolló en México, indicó Arcq.
Minotauro
La primera "llave" sería la arquitectónica, que entiende esta disciplina como un espacio del inconsciente, "como metáforas alusivas a arquetipos colectivos", explicó.

La segunda es la onírica, que vincula los sueños que la propia artista describió en sus cuadernos con la simbología de sus pinturas, mientras que la literaria relaciona lo que Varo leía con las obras plásticas que realizó y refleja cómo "muchos de sus cuadros funcionan como un relato literario", agregó.

La cuarta "llave" es la surrealista, que hace énfasis en la posición activa de Varo dentro del movimiento del mismo nombre.

La última, la mística, "es la parte fuerte de la exposición", sostuvo Arcq.

"Aborda una investigación completamente nueva sobre la influencia que tuvieron las ideas de los místicos rusos (Georgi) Gurdjieff y (Piotr Demiánovich) Ouspensky sobre la obra de Remedios Varo", agregó la experta. Óleos, dibujos, gouaches, algunos trabajos que realizó para la Casa Bayer de publicidad, documentos y una caja que dedicó a Gurdjieff, todos provenientes de colecciones privadas de México, Estados Unidos y Argentina, completan la exhibición, que cuenta también con 28 piezas del acervo del museo donadas por Walter Gruen, el último marido y mecenas de Remedios Varo. Entre los festejos por el centenario del nacimiento de Varo (1908-1963) el museo celebrará los días 22 y 23 de mayo un simposio internacional sobre la artista con expertos de todo el mundo, así como la exhibición del cortometraje "La revelación del relojero", una coproducción de México y EU. Por último, el jueves se presentará también el libro "Cinco llaves del mundo secreto de Remedios Varo", que complementa con textos la exposición y está editado por Artes de México y el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA).

  • Exposición en el MAM por su centenario
  • Nuevas claves de Remedios Varo
  • Mostrarán por primera vez en el país sus obras Mujer libélula y Creación con rayos astrales
Arturo Jiménez
foto
Cinco llaves quizá no sean suficientes para proseguir en pos de la revelación de los secretos de los universos fantásticos de la pintora surrealista Remedios Varo –tarea por lo demás tan soberbia como imposible–, pero sí ayudan a ingresar por las puertas correctas para el mejor goce estético y de la imaginación. Esas llaves-pistas-claves podrán encontrarse en el Museo de Arte Moderno (MAM) a partir de la noche de hoy, cuando sea inaugurada una exposición con motivo del centenario de la pintora nacida en España el 16 de diciembre de 1908 y radicada en México desde 1941, donde murió en 1963. La muestra Remedios Varo: cinco llaves –que mañana se abre al público y concluirá el 24 de agosto– reúne casi medio centenar de obras: 28 prestadas por coleccionistas particulares y 21 seleccionadas de la colección del MAM, donadas por Walter Gruen y Anna Alexandra Gruen en memoria de Isabel Gruen Varsoviano, que son parte de las 39 objeto de un litigio con Beatriz Varo Jiménez, sobrina de la pintora.

Entre las obras figuran Mujer libélula y Creación con rayos astrales, por primera vez expuestas en México. De esta última se desconocía su paradero desde 1961, además del manuscrito Sueños y recetas.

Las cinco llaves temáticas propuestas como pistas para continuar desentrañando algunas claves ya conocidas y otras novedosas de la obra de Varo fueron confeccionadas por la curadora Tere Arcq y son: la surrealista, la arquitectónica, la literaria, la mística y la onírica.

Las cinco puertas

La llave surrealista abre la puerta para imaginar a la joven María de los Remedios Varo Uranga en Barcelona, en 1936, cuando ingresó al movimiento mundial creado por Breton desde Francia, mediante su incorporación al grupo Logicofobista, colectivo de pintores y escritores que pretendían unir arte y metafísica. De esa etapa cabe mencionar su obra El recuerdo de la walkiria (1938), con la que además Varo se dio a conocer en México al participar en la exposición internacional de surrealismo en 1940, un año antes de su exilio en este país. La llave arquitectónica explora la constante de diversas construcciones medievales en muchas de las obras de la pintora, quien con el poder de su imaginación creativa disolvió la solidez real, histórica, de los gruesos muros y los hizo accesibles a sus seres fantásticos y la naturaleza. La llave literaria ayuda a abrir la puerta de la amplia cultura narrativa y poética de Varo –reflejada en su biblioteca personal–, de la que también abrevaban sus revelaciones espirituales llevadas a la tela, e incluso la llevaban a estructurar varias pinturas a la manera de un relato, con planteamiento, clímax y desenlace. El espectador podrá buscar en los cuadros las huellas de Poe, Lovecraft, Huxley o Novalis, así como planteamientos de filosofías antiguas, budismo, cábala, ocultismo y, de manera relevante, la influencia de los místicos rusos Gurdjieff y Ouspensky. La llave onírica aguarda una de las nuevas revelaciones, pues gracias a estudios académicos y freudianos en universidades estadunidenses se hacen más accesibles algunos de los sueños que la escritora anotó en sus cuadernos, así como los que le platicó a sus amigas Kati Horna y Eva Sulzer.

Incluso, según Arcq, con la también pintora surrealista Leonora Carrington, británica avecindada de igual modo en México, Varo recurría a los universos oníricos para inventar recetas y fórmulas capaces de provocar sueños eróticos, curar insomnios o para soñarse como el rey de Inglaterra. La última llave, una de las que encierra mayores pistas, es la onírica, la cual revela la constante búsqueda espiritual de Varo, su deseo de plasmar la unidad e interconexión armoniosa de todas las cosas y de encontrar la “llave mágica” que le abriera las puertas de universos ocultos.

La exposición se complementa con el simposio internacional Remedios Varo: visiones y revelaciones, que se realizará este jueves y viernes. Además mañana, a las 19 horas, presentarán el libro Cinco llaves del mundo secreto de Remedios Varo, editado por Artes de México.


Kikka Roja

miércoles, 23 de abril de 2008

Leonora Carrington ciudadana distinguida: HOMENAJE

  • Recibió de manos del jefe de Gobierno del DF el título de ciudadana distinguida
  • La ciudad de México salda una deuda con Carrington, festeja Marcelo Ebrard
  • La artista nos ha llenado de esculturas, magia y originalidad, expresan Poniatowska y Felguérez
Merry MacMasters

Ampliar la imagen Leonora Carrington, acompañada de Elena Poniatowska y Manuel Felguérez, ayer, afuera del Antiguo Palacio del Ayuntamiento de la ciudad de México Foto: María Meléndrez Parada

Para la ciudad de México “ha sido, es y seguirá siendo un privilegio que Leonora Carrington haya elegido ésta para vivir”, afirmó Marcelo Ebrard, jefe de Gobierno del Distrito Federal, al entregar ayer a la pintora, escultora y escritora surrealista, nacida en Inglaterra, pero radicada aquí desde 1942, una medalla y un pergamino en su calidad de “ciudadana distinguida”.

Si este “muy merecido” reconocimiento “se tardó”, ya que “debió de haber sido mucho antes”, de acuerdo con Ebrard, “de muchas maneras la ciudad se lo ha hecho saber. “Es un honor, Leonora, que seas una ciudadana de nuestra ciudad de México. Muchas gracias a ti por todo lo que haces. Te admiramos y queremos mucho.” Los invitados al acto, efectuado en la sala de cabildos del Antiguo Palacio del Ayuntamiento, aplaudieron la entrega del reconocimiento. Estuvieron presentes Elena Poniatowska, Isaac Masri, Miriam Kaiser, Manuel Felguérez, Alan Glass y Gilberto Aceves Navarro, entre otros.

Artista de estirpe romántica

Carrington se veía emocionada y contenta. Entrevistada después, expresó agradecimiento: “La ciudad de México es mi hogar. Tengo casi 70 años aquí”.

Para Elena Poniatowska, la homenajeada ha llenado a México con “sus esculturas, su magia y su brujería, porque es una bruja, ¿no?” Su “originalidad” es lo que más admira Felguérez.

En el acto, Gabriel Weisz Carrington, hijo de la pintora, leyó el poema, Para Leonora, de su autoría.

Para el también escritor y poeta Alberto Blanco, Carrington es una artista, un ser humano, que “no se ha contentado con ver sólo una parte de la realidad. Al contrario, interesada en lo grande y lo pequeño, eso que en el simbolismo tradicional se conoce como los grandes y los pequeños misterios, nunca se ha desentendido de los grandes temas científicos o filosóficos. Lo mismo le interesa la astronomía que la astrología, la física cuántica, que los misterios de la sique. Pero tampoco le ha dado jamás la espalda a lo que podrían considerarse las minucias y los detalles de la realidad cotidiana: su familia, su casa, sus seres queridos, sus objetos queridos, sus amigos y sus mascotas”.

De acuerdo con Blanco, en Leonora conviven sin contradicción ninguna “un artista de profunda estripe romántica y aquí hablo del romanticismo inglés de William Blake, y de una persona eminentemente práctica”.

Kikka Roja

jueves, 7 de febrero de 2008

Leonora Carrington: 12 de febrero 7:30 horas : murciélagos gigantes

  • Esculturas de gran formato y otras obras serán emplazadas en el camellón de Reforma
  • Murciélagos gigantes de Carrington para festejar a los capitalinos
  • Abrirán exposición el martes 12, como parte de un ambicioso proyecto de arte urbano
Mónica Mateos-Vega
Leonora Carrington, notable creadora surrealista que lleva 65 años de residir en el Distrito Federal Foto: Cortesía del Centro Cultural Estación Indianilla

En el cruce de Paseo de la Reforma y Gandhi, en pleno Chapultepec, aparecerán a partir del próximo 12 de febrero murciélagos gigantes, entre otros enigmáticos seres de bronce, creados por Leonora Carrington para “festejar a los habitantes de la ciudad de México”.

La muestra, que será inaugurada a las 19:30 horas por el jefe de Gobierno del Distrito Federal, Marcelo Ebrard, está conformada por 17 esculturas de gran formato realizadas entre 1994 y 2007, acompañadas por cajas de luz que muestran retratos de la artista, así como de sus pinturas más emblemáticas.

Las piezas se ubicarán en el camellón de Paseo de la Reforma, en el tramo comprendido entre el Museo Nacional de Antropología y la calle de Gandhi. La exposición se enriquece con 50 cajas de luz que mostrarán 100 imágenes para narrar su vida y dar testimonio del desarrollo de su espléndida obra plástica.

Se trata de un ambicioso proyecto de arte urbano “diseñado para compartir el disfrute de las obras y el conocimiento de una mítica mujer, que todos los días pisa las calles de esta gran ciudad”, señalan los organizadores de la muestra (el Centro Cultural Estación Indianilla y la Secretaría de Cultura capitalina) en un comunicado de prensa.

De la magia al misterio

Leonora Carrington tiene 65 años viviendo en el DF y se le considera la pintora más importante del movimiento surrealista que se inició en los años 30 del siglo XX. “Obsesionada por representar una realidad que trasciende a la que se ve y se vive comúnmente, Carrington desarrolló desde la década de los 30 un lenguaje pictórico narrativo que se caracteriza por un cambio constante en las resoluciones formales. “Creadora de espacios y seres ficticios que oscilan entre la magia y el misterio, su obra integra dimensiones espirituales que se materializan mediante personajes y poéticas que transitan entre la realidad y un extraño mundo invisible. “Valorada principalmente como pintora, en los pasados 15 años la artista se ha dedicado a la realización de esculturas en bronce las cuales, con gran fuerza expresiva, logran evocar un vacío corporal que parece arropar a la materialidad del espíritu”, agrega la invitación para visitar la nueva exposición de la artista.

Pensado para agasajar a los habitantes de la ciudad, este proyecto de arte en espacios públicos sobresale, tanto por la artista seleccionada como por los recursos tecnológicos que permitirán realizar, en medio de la calle, una retrospectiva que generalmente pertenece al ámbito museístico.

Las esculturas de Leonora Carrington salen a las calles de Ciudad de México
ACTUALIZADO
martes 12 de febrero, 07:02 PM


México, 12 feb (EFE).- Diecisiete esculturas de la artista surrealista inglesa Leonora Carrington han tomado desde hoy y hasta el próximo 31 de octubre un tramo de una de las principales vías de Ciudad de México, en una iniciativa de la alcaldía capitalina que pretende sacar el arte a la calle.

Las esculturas de bronce que se muestran dentro de la exposición "Leonora Carrington en la Ciudad de México" fueron elaboradas entre 1994 y 2007 y miden desde 90 centímetros a 8,5 metros de alto, informó a Efe el comisario de la exposición, Isaac Masri. Están acompañadas por cincuenta paneles luminosos con pinturas de la artista, fotos suyas y de su familia, y frases sobre su modo de ver la vida. Este proyecto de arte en espacios públicos está situado en el neurálgico Paseo de Reforma, desde el Museo de Arte Contemporáneo Tamayo hasta el Museo de Antropología.

Masri explicó que escogieron a Carrington para esta exhibición no solo porque en sus obras crea una nueva dimensión que oscila entre "la magia y el misterio", sino porque "es una de las mejores artistas surrealistas, y la más importante que sigue viva". Carrington nació en el seno de una familia rica y aristócrata en 1917 en Lancashire, Inglaterra, y fue el pintor alemán Max Ernst el que la introdujo en 1937 en esa corriente estética. Al año siguiente participó con Ernst en la Exposición Internacional de Surrealismo, en París y Amsterdam. La artista luchó en Francia con la resistencia contra la invasión nazi y de allí huyó a España y más tarde a Portugal.

En Portugal conoció al escritor mexicano Renato Leduc, con quien se casó y se fue a vivir a Nueva York, y finalmente en 1942 a México, donde se divorció. En este país, la pintora, escritora y escultora convivió con otros artistas surrealistas en el exilio, como André Breton, Benjamín Peret, Alice Rahon, Wolfgang Paalen y la española Remedios Varo.


Kikka Roja

miércoles, 16 de enero de 2008

Exposicion Leonora Carrington: el lente del talismán

  • La muestra se abrirá el 7 de febrero en el Anexo de la Galería Frey Norris, San Francisco
  • Preparan la exposición Leonora Carrington: el lente del talismán
  • El catálogo contiene relatos alusivos a las obras escritos por Gabriel Weisz Carrington
  • “Me propuse meterme en el universo de lo visual de cada cuadro”, señala el hijo de la pintora
Merry MacMasters
Ampliar la imagen La artista plástica Leonora Carrington durante la inauguración de la exposición Campanas, en 2005 Foto: Marco Peláez

Leonora Carrington: El lente del talismán, exposición antológica de alrededor de 20 pinturas, sobre tela y papel, que a partir de los años 40 abarca cuatro décadas y media de su producción, así como fotografías y documentos personales, que será inaugurada el 7 de febrero en el Anexo de la Galería Frey Norris, en San Francisco, California, la muestra se acompaña de un catálogo que comprende igual número de “pequeños relatos” del escritor Gabriel Weisz Carrington, hijo de la pintora, así como un ensayo del especialista Ara H. Merjian.
De acuerdo con Weisz Carrington, el título de la muestra y de su respectivo catálogo “rompe con la idea de que un lente es sólo un aparato científico, entonces, se acercaría un poco a lo mágico cuando se habla de lo talismánico (el título en inglés es The talismanic lens)”. Con sus textos se ha propuesto “meterse en el universo de lo visual de cada uno de los cuadros”, a fin de evitar la interpretación. “No me gusta cuando la gente interpreta algo, porque hace que el objeto se calle, enmudezca”, expresa el entrevistado.

–Dado su parentesco, ¿resultaría difícil que usted le explicara a la gente lo que dicen los cuadros?

–No me gustaría ni podría, porque a final de cuentas ningún cuadro es la persona, como ningún poema realmente es quien escribe. Son mundos que se parecen al individuo, pero que no tienen realmente una relación directa con él.

“Entonces, sería pretencioso, por un lado, tratar de interpretar el mundo de otra persona, es prácticamente imposible, lo vemos en las relaciones humanas. Pero, en este caso, son maneras de poder comunicarse, porque el arte también es otro medio de comunicación.

“Por medio del arte se establecen estos puentes de comunicación, pero, también por otro lado, se crean mundos. Entonces, esta creación de mundos, tanto desde el punto de vista pictórico como del poético, son universos que de alguna manera nos pueden parecer interesantes si es que los podemos recorrer, ya sea visual o verbalmente. A fin de cuentas, cuando hacemos un viaje verbal también es visual.”

Gabriel Weisz creció rodeado de la obra de su progenitora, pero en qué momento se preguntó, “¿por qué mi mamá hace eso?

“Lo que sucede es que uno nace rodeado de un ambiente determinado. Mi madre hizo unos murales en nuestro cuarto de juego. Y allí el mundo que nos relataba –también nos contaba cuentos– formaba parte de este medio más bien natural que sobrenatural. Cuando te empieza a rodear ese mundo y es parte de tu existencia, sólo lo ves distinto cuando lo comparas con otras casas. Allí me percataba de que no todo el mundo pintaba ni contaba historias.”

–¿Se consideraba afortunado o sentía que su familia era diferente?

–Lo que resultaba era que finalmente el mundo, digamos imaginario, era una parte relevante. Pero luego ese mundo imaginario no tiene repercusiones muy visibles en el cotidiano” porque hay que enfrentarse con la comida, con la vida. Es muy difícil separar una cosa de la otra.

–¿El hecho que su madre le haya contado cuentos influyó en su interés por escribir?

–Probablemente tuvo una importancia muy grande, pero al principio yo no quería hacer nada de eso. Más bien quería estudiar medicina, después antropología. Uno al principio busca exactamente lo opuesto. Luego, me empezó a interesar la literatura; en casa se leía mucho, pues, uno como a veces imita a los adultos, empecé a leer bastante también.

–¿Cómo se siente escribiendo sobre la obra de su madre?

–Al principio es difícil debido a la dificultad de separar a la persona de la obra. Digamos, la relación personal con la relación con un artista. Entonces, claro, las primeras veces que escribía sobre mi madre fue difícil ver cuál era ese mundo que en un momento resultaba tan importante para configurar un imaginario en el arte aquí en México.

“Me vine despertando ante esta situación ya después de años de estar viendo qué era lo que sucedía con los cuadros de mi madre en México y en el mundo también, porque a final de cuentas es una artista que ha sido reconocida por muchos lugares.

“Pero la manera de escribir finalmente era la que empezó a molestarme, el interpretar un mundo. Decía, por qué interpretar ese mundo, no es un mundo que me pertenece, no es un mundo realmente que le pertenezca a nadie. Entonces, por qué no dejar que ese mundo hable por sí mismo. Por eso decía que empecé a escribir de una manera completamente distinta cuando se trataba de escribir sobre los cuadros de mi madre.”

–Obviamente, a Leonora le gusta que escriba sobre su obra.

–Sí, porque es una manera de comunicarse, claro, a un nivel distinto, porque se trata de comunicarse con algo creativo. Lo hemos hecho en otras situaciones. Por ejemplo, cuando escribimos un libro de poesía llamado The dark book (El libro oscuro), ella hacía los dibujos y yo los textos, allí había una posibilidad de comunicación distinta a la que ocurría después. “En el caso de la presente exposición fue diferente, porque les pedí que me facilitaran las imágenes de los cuadros para que pudiera verlos y mediante eso surgieron los textos. En el otro caso no fue así. “Allí lo difícil es no hacer algo evidente con lo que uno está mirando, sino hacer que los personajes de pronto habiten el texto. No es como una copia de lo que está viéndose, sino es un poco darle vida, darle voces, vida verbal. Aunque por supuesto tiene una vida pictórica.”


Kikka Roja

martes, 20 de noviembre de 2007

Venden en 1 mdd Tamayo hallado en la basura


Venden en 1 mdd cuadro de Tamayo hallado en la basura
AFP
La obra Tres personajes encabezó la subasta de arte latinoamericano de la casa Sotheby's.

Nueva York. El cuadro Tres personajes, del mexicano Rufino Tamayo, fue vendido este martes por un millón de dólares en una subasta de arte latinoamericano en Sotheby's. El óleo semiabstracto fue subastado por millón 49 mil dólares al término de una puja entre la sala y un ofertante por teléfono. El 23 de octubre pasado se supo que de manera fortuita, dicha obra fue encontrada entre la basura por una mujer en una calle de Nueva York. El cuadro permaneció perdido casi dos décadas después de que fuera robado a sus dueños en Houston. "Es una historia maravillosa, un cuento de hadas", comentó a la AFP Patricia Phelps de Cisneros, dueña de una de las principales colecciones privadas de arte latinoamericano y asidua cliente de las subastas de Nueva York. Fuera de lo anecdótico, los expertos coinciden en destacar el valor intrínseco del cuadro semiabstracto pintado en 1970 por el artista oaxaqueño. "Es una síntesis clásica de todos los elementos importantes de la obra de Tamayo", comentó Marysol Nieves, del departamento de arte latinoamericano de Sotheby's.

Rojos, violetas, amarillos y grises dominan en la tela, que presenta tres figuras casi abstractas realzadas con juegos de textura mediante la utilización de polvo de arena mezclado con los pigmentos. "Los colores son fantásticos", comentó por su parte Carmen Melián, que dirige ese departamento especializado de la subastadora. "Tamayo resalta su mexicanidad, pero sigue siendo universal". Además del Tamayo, Sotheby's rematará casi 300 lotes entre martes y miércoles, anticipando una recaudación de entre 21 y 28 millones de dólares. Fernando Botero, Remedios Varo, Leonora Carrington, Joaquín Torres García, Diego Rivera, y Matta figuran entre los artistas consagrados más destacados. Un enorme tríptico de Matta Et At It fue tasado entre 2.5 y 3.5 millones y un Déjeuner sur l'herbe, de Botero entre 1.4 y 1.6 millones. Hay además obras de artistas pertenecientes a corrientes abstractas más recientes, como Guillermo Kuitca, Jesús Rafael Soto o Alejandro Otero. La temporada de otoño fue inaugurada ayer lunes por la competidora Christie's, que en una noche vendió obras por 22.6 millones de dólares, incluyendo 12 récords mundiales jamás pagados por una obra de Remedios Varos, una escultura de Botero o una tela del portorriqueño Angel Botello, entre otros. Sin embargo, la estrella de la venta, Trovador, de Rufino Tamayo, tasado entre dos y tres millones de dólares, fue retirado a último momento a raíz de una demanda legal contra e museo de Virginia que quiere venderlo.

Las ventas de las grandes subastadoras coinciden con una serie de eventos en la ciudad vinculados al arte de América latina, incluyendo una muestra de artistas abstractos en la galería Grey de la Universidad de Nueva York (NYU). El Museo de Arte Moderno (MoMA) abre además mañana miércoles una importante muestra con sus últimas adquisiciones de arte latinoamericano, que presenta la producción plástica de la región bajo una nueva perspectiva. Este martes cerró en el barrio Chelsea la feria PINTA realizada por primera vez por las principales galerías especializadas, que acercaron obras de América latina a los coleccionistas norteamericanos.

Kikka Roja

martes, 30 de octubre de 2007

Alta Definición : La ultima cena : Leonardo da Vinci

www.haltadefinizione.com Tras una restauración que duró 21 años, la obra de Da Vinci volvió a la vida en 1999 y ahora puede ser apreciada en detalle a través de una página de Internet
AHI HAY UNA MUJER, SI TU NO LA VES, NO IMPORTA, PERO AHI HAY UNA MUJER JUSTO A LA IZQUIERDA JUNTO A DON CHUCHO DE NAZARET. ¡¡A Huevo!!
  • sitan tres millones fotografía de La última cena en Internet
La última cena en Internet"
Se puede contemplar el fresco pintado en una de las paredes de la Sacristía del Bramante, en la Iglesia de Santa María de las Gracias en Milán en una página de internet (Foto: Especial)

EFE
El Universal
Roma
Martes 30 de octubre de 2007 12:06 Una fotografía de alta definición del fresco de "La última cena" de Leonardo da Vinci está triunfando en Internet, y desde que fue colgada el pasado sábado en la página www.haltadefinizione.com ya ha registrado más de tres millones de visitas.
"La última cena" volvió a la vida en 1999 después de una larga restauración que duró 21 años, pero son muy pocos los privilegiados que han podido contemplar el fresco, pintado en una de las paredes de la Sacristía del Bramante, en la Iglesia de Santa María de las Gracias en Milán. El angosto espacio no permite que entren más de 20 personas a la vez, y se necesita reservar meses antes. Por ello, anualmente contemplan "La última cena" unas 300.000 personas. Además, los visitantes no pueden acercarse a menos de dos metros de distancia del famoso fresco. Ahora se presenta la gran oportunidad de observar una de las obras maestras del genial artista renacentista simplemente abriendo esta página de Internet, que fue inaugurada el pasado sábado. La iniciativa de colgar la obra en la red es de la casa editorial De Agostini y la sociedad Hal9000, líder mundial en el sector de la fotografía de alta definición, con el patrocinio del Ministerio de Bienes culturales. La calidad de la fotografía del Cenáculo, 16.000 millones de pixels, permite a los internautas penetrar hasta las entrañas del fresco y gozar de todos sus detalles. La obra, convertida en enigmática por novelas como "El código da Vinci" sigue levantando pasiones, y la posibilidad de investigar en los meandros de sus detalles la hace aún más fascinante. La posibilidad de estar tan cerca de la imagen permite apreciar detalles como un pequeño campanario, de menos de dos centímetros, que se ve desde la ventana detrás de la figura de Jesús. También se pueden ver claramente los objetos presentes en la mesa, desde los vasos con el vino a algunos gajos de naranja en un plato frente a San Mateo. Con un poco de atención se pueden observar los detalles del manto de Judas, el único en el que Leonardo dibujó pequeños bordados dorados. Con el cursor se pueden acariciar las pequeñas grietas de la pintura de Leonardo, causadas por el paso del tiempo y por su intención de realizar un fresco pintado "a seco". Esta obra de Leonardo, que sobrevivió milagrosamente al bombardeo de Milán en 1943 -los habitantes de la ciudad apuntalaron el muro con sacos de arena-, fue restaurada siete veces con técnicas diferentes y con la obsesión de fijar el color, lo que supuso el empleo de colas que con el paso del tiempo oscurecieron el original hasta hacerlo casi imperceptible. Además, Leonardo no sabía que por debajo de aquel baptisterio pasaba un río que humedecía la pared sobre la que había pintado, lo que provocó la pérdida de color apenas diez años después de que hubiera acabado el fresco.


Kikka Roja

sábado, 22 de septiembre de 2007

Leonora Carrington : Estación Indianilla : Audio Fotos

El Fisgón : collage : XIPE-TOTEC ll
  • Museo de formas, de Leonora Carrington, se inauguró en la Estación Indianilla
  • Un arpista gigante interpreta en la eternidad música para sordos
  • Las esculturas monumentales de la artista surrealista ocuparon las calles de la colonia Doctores
  • También se abrieron muestras de Alberto Blanco, Patricia Lagarde, El Fisgón y Ricardo Velazko.
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Mónica Mateos-Vega
Dos de las obras del mundo fantástico de Leonora Carrington, que se muestran en el Centro Cultural Estación Indianilla Foto: José Carlo González

Al corazón de la colonia Doctores llegaron los personajes fantásticos del mundo mitológico de Leonora Carrington, ocuparon las calles, sorprendieron a los transeúntes, se robaron la noche del jueves, durante la inauguración de un quinteto de exposiciones en el Centro Cultural Estación Indianilla. Dentro del recinto, las esculturas monumentales de Carrington hicieron magia: de un par de ellas empezó a salir humo de copal. La otras, bastaba con mirarlas para que la imaginación se volviera cómplice de El nahual del mono, de Albino Hogg, o del gigante arpista que interpreta en la eternidad música para sordos. La colección de la artista británica avecindada en México, titulada Museo de formas, es sólo una parte del collage plástico que se exhibe en la Estación Indianilla (Claudio Bernard, esquina Niños Héroes, colonia Doctores), el cual completa las Imágenes inesperadas del poeta Alberto Blanco, las siete piezas de Xipe-totec, creaciones realizadas en técnica mixta de Rafael Barajas, El Fisgón; la colección K (una reflexión en torno a la vida del escritor Franz Kafka), fotografías de Patricia Lagarde, y el video Prefiero contarlo antes de que me lo pregunten, de Ricardo Velazko. Se trata de una reunión afortunada de artistas, técnicas y obras que, en conjunto, rinden un homenaje a esa forma de hacer arte que Max Ernst definió así: “El collage es un instrumento hipersensible y escrupulosamente exacto que mide nuestras posibilidades de ser felices en cualquier instante”.

Serie del poeta Alberto Blanco

Imágenes inesperadas está conformada por 108 collages, divididos en dos series, realizadas con imágenes del siglo XIX, explica Alberto Blanco: “la primera parte se llama Un año de bondad, la segunda El sueño de Euclides, cada obra va acompañada de citas que hacen referencia a la historia del collage. “En realidad cada imagen ilustra las citas y todas ellas se pueden leer en conjunto como un ensayo sobre la historia del collage. “La primera serie la terminé hace 20 años y la segunda en 2006: esta es la primera vez que se exhiben. Se trata de un trabajo hecho con absoluta tranquilidad, calma y penetración, no está hecho a las carreras, ni para satisfacer un pedido de último momento ni está resuelto sobre las rodillas, ni fue hecho para complacer a una tendencia artística de último momento. “La primera serie se publicó, completa, hace 20 años, el libro se agotó en cuatro meses. Por esas cosas incomprensibles en el medio editorial mexicano, el premio para esa edición fue no volverse a publicar en dos décadas. La segunda serie es un libro inédito. Pero todo es un solo proyecto y me gustaría verlos publicados juntos. “Ahora, se ha dado una afortunada coincidencia poética y estética, porque este trabajo no sólo no discute con lo que aquí presenta Leonora Carrington o El Fisgón, que también hace un homenaje a Ernst. Compartimos una zona del quehacer artístico muy significativa, que inevitablemente tiene que ver con el surrealismo.

Entrevista

http://www.divshare.com/download/2070141-654
DISCURSO

http://www.divshare.com/download/2071526-b4a

”El collage penetra todas las artes“

El collage –prosigue Blanco– es un lenguaje quintaescencialmente del siglo XX, una técnica que nace, crece, se desarrolla y llega a su madurez en esta época. Hay muchas razones para ello, la primera, que expresa muy bien el espíritu del tiempo que nos ha tocado vivir. “El collage ha penetrado todas las artes, está presente en la poesía, desde los cantos de Ezra Pound o en La tierra baldía, de T.S. Elliot, o en el Ulises de James Joyce; en la música el collage se ha hecho desde hace muchísimo, por ejemplo, lo que hizo Satie, un pionero extraordinario. Es una técnica que está bien viva y sus lecciones siguen siendo vigentes”, concluye Blanco. Xipe-totec II, de El Fisgón, consiste en siete cuadros cuyos dibujos tienen que ver con un personaje mítico que es una suerte de mujer-pájaro, donde algunas de las piezas expresan una denuncia contra la pederastia.

“El collage es un instrumento escrupulosamente exacto preciso que es capaz de medir en todo momento la posibilidad que tenemos de ser felices”.

Kikka Roja

jueves, 20 de septiembre de 2007

Leonora Carrington : Escultura

  • Abren exposición con cerca de 30 obras en bronce de la artista, en la Estación Indianilla
  • Conocemos muy poco de nuestra naturaleza interior: Carrington
  • De la mano de los albañiles y el cemento surgió su interés por la escultura
  • Varias de las piezas que integran Museo de formas, “están acabaditas de salir del horno”, dice a La Jornada

Merry MacMasters

Leonora Carrington –anteayer, en su casa– durante la entrevista. Además de escultora y pintora, la artista surrealista de origen británico es ávida lectora Foto: José Carlo González

¿Desde cuándo trabaja Leonora Carrington la escultura? La fecha, al parecer, se relaciona con una modificación hecha a su casa en los años 50 o 60 del siglo pasado. En medio de los trabajadores y el cemento, a la creadora surrealista le llamó la atención la estructura del inmueble. Entonces, Carrington inventó una estructura hecha con alambre grueso a la que podía aplicar, espátula en mano, igual que un albañil, la mezcla del cemento de manera uniforme. De allí, su particular textura. También agregó uno que otro elemento, como una pequeña piedra. En algunos casos el cemento recibió un pigmento rosa, mientras en otros, lo negro del carbón. Con el tiempo algunas de estas piezas se reprodujeron utilizando otros materiales. Museo de formas, exposición de alrededor de 30 esculturas en bronce de Carrington, será inaugurada hoy a las 20 horas en el Centro Cultural Estación Indianilla, en Claudio Bernard 111, esquina Niños Héroes, colonia Doctores, donde el pasado mayo se festejó el aniversario 90 de la artista de origen británico, cumplido el 6 de abril. La obra más antigua se remonta a 1994, no obstante que varias están “acabaditas de salir del horno”, es decir, del taller de fundición de Arturo Velasco, como la monumental Música para sordos, obra que mide 3 x 2.10 x .80 metros. Otra obra de gran formato es Horno de Simón Magus, de 3 x 1 x 1.2 metros, que recuerda la estufa antigua en el comedor de su casa, nada más que la de bronce se remata con una bocanada de humo, o fuego, que asume una cara humana.

Dibujos convertidos en esculturas

Leonora Carrington también ha tallado piezas en madera y en cerámica, así como obras en plata. Su hijo Gabriel Weisz –presente en la entrevista– recuerda que el trabajo de su madre en el teatro también abarcó la tercera dimensión: “Para Penélope, obra de su autoría, realizó una escenografía de muñecas hechas con papel maché, cuyo efecto visual era parecido al de una escultura.” En el garaje de la casa de Leonora se alcanza a vislumbrar una nueva escultura, que “todavía no está visible”, expresa la entrevistada. A lo largo de su vida, Carrington ha hecho muchos dibujos de los que luego sale una escultura. Primero, la pieza se hace en cera, a pequeña escala, después, puede alcanzar cualquier dimensión. Entre la obra más reciente de la artista figura la escultura de una licorera en plata que realizó para la edición especial, 1800 Colección, de Tequila Cuervo.

Para esa “mujer-maga”, la artista dice haber hecho “un dibujo muy detallado”.

Sin embargo, el personaje/ forma imperó en todo momento. Su interpretación como licorera vino después. El tema, entonces, viene desde adentro, no es impuesto. La literatura no puede estar ausente de cualquier conversación con Leonora, también escritora. Avida lectora, reconoce leer varios libros al mismo tiempo. En la actualidad, le entusiasma The kite runner (El corredor de papalotes), primera novela del afgano-estadunidense Khaled Hosseini, quien “habla básicamente acerca del ego –para ella muy importante–, cómo se arrepiente de los que ha hecho, cómo se siente culpable. Para mí, entiende muy bien cómo somos los seres humanos”. Leonora Carrington siempre se ha preocupado por los asuntos en torno a las mujeres, la ecología. Al respecto, agrega: “La protección de la naturaleza y los animales”. Cuestiona la llamada “liberación”, ya sea femenina o masculina. “Ninguno de nosotros estamos liberados. No nos acordamos de nuestro nacimiento y no sabemos cuándo vamos a morir, para empezar. Además, existe una total falta de respeto hacia las demás criaturas que nos rodean.” La entrevistada también hace hincapié en lo poco que uno conoce su “naturaleza interior, algo que siempre nos acompaña. No la conocemos y no nos conocemos”.

–¿Esto resulta frustrante?
–Es muy peligroso para el planeta. (Vuelve al libro The kite runner) Tenemos mucha culpabilidad.
–¿Se carga de generación en generación?
–Sí, además, debemos sentirnos culpables por lo que le hacemos al planeta donde vivimos y a los que también lo habitan.


Kikka Roja

miércoles, 19 de septiembre de 2007

Remedios Varo

Remedios Varo Pintura Surrealismo

Anglés, Gerona, 1908 - París,1963
Hija de un ingeniero hidráulico, aprende de su padre el manejo de la perspectiva, las matemáticas y el dibujo profesional. De su madre, profundamente religiosa, adquiere un sentido espiritual de la vida. En 1924 su familia se traslada a Madrid y allí ingresa en la Academia de San Fernando.
En 1932, ya casada, se instala con su marido en París una temporada donde ambos trabajan en publicidad. Separada de su esposo, regresa a España pero el estallido de la guerra civil en 1936, hace que tenga que volver a París. Es en este momento cundo conoce a André Breton, Max Ernst, joan Miró y Leonora Carrington con la que mantendrá su amistad toda la vida. Aceptando y participando de lleno de los postulados del "Surrealismo" y participa en la Exposición Internacional del Surrealismo de Tokio (1937) y París (1938). Con la invasión de Francia por parte de los alemanes Remedios emigra a México a finales de 1941, país donde permanecerá casi hasta el final de su vida.Allí comienza una etapa de gran actividad pictórica a la vez que realiza trabajos artesanales o para publicidad y emprende un acercamiento al grupo esotérico formado en base a la doctrina de G.I.Gurdjieff, estudiando La Cábala, El Tarot y La Alquimia. De aquí se nutrirá temáticamente su pintura, utilizando toda su iconografía en una búsqueda incesante de respuestas a los enigmas de la existencia del ser humano.En 1955 le llega el reconocimiento, tanto a nivel popular como de crítica, tras realizar una exposición individual en la Galería Diana en la ciudad de México, sintiéndose ya desligada del surrealismo en todas sus dimensiones (como persona y como artista) adquiriendo su pintura cada vez más, un cariz místico que mantendrá hasta que tras sobrevenirle un infarto muera en el año 1963. Pintura:




Kikka Roja

viernes, 1 de junio de 2007

Alfredo Ramos Martinez : Pintura

“Las Flores de México”, de Alfredo Ramos Martínez se subastó en más de 4 mdd

Fue la gran sorpresa de la noche en la prestigiada sala de remates, en la primera de las dos sesiones de subastas de arte latinoamericano que celebra cada año al llegar la primavera en Nueva York.
MILENIO
Nueva York, EU.– La obra “Flores de México”, del mexicano Alfredo Ramos Martínez (1871-1946), fue vendida la víspera en Christie’s por cuatro millones 72 mil dólares, un nuevo récord mundial para el artista y uno de los precios más altos jamás pagados en una puja de arte latinoamericano. Ramos Martínez fue la gran sorpresa de la noche en la prestigiada sala de remates, en la primera de las dos sesiones de subastas de arte latinoamericano que celebra cada año al llegar la primavera en Nueva York. Fechada en 1938, la pintura llevaba décadas en manos privadas siendo recientemente descubierta. Con un precio estimado de venta de entre 600 mil y 800 mil dólares, la obra finalmente se adjudicó por cuatro millones 72 mil dólares. “Flores de México” fue adquirida por un comprador anónimo aunque fuentes de Christie’s confirmaron que por ella pujaron varios coleccionistas mexicanos, sin desvelar más detalles. El anterior récord del artista estaba en un millón 808 mil dólares, pagados también en Christie’s en pasado noviembre por la obra “Mujeres con flores”, de 1938.

Alfredo Ramos Martínez
Nació en noviembre 3 de 1871 en Monterrey, Nuevo León obtuvo una beca para estudiar en la Escuela Nacional de Bellas Artes donde ingresó en 1890. Sus maestros incluyeron a Santiago Rebull y Jesús F. Contreras. Alrededor de 1899 Phoebe Hearst, quien estaba impresionada con el talento del artista, patrocinó su estadía en París por tres años. En 1905 y 1907 exhibió sus obras en el Salón de Otoño. Después de nueve años en Europa regresó a México en 1909. En 1910 mostró el trabajo que realizó en Europa en la Escuela Nacional de Bellas Artes. Fue designado director suplente de la Escuela Nacional de Bellas Artes por el subsecretario de Educación cuando una huelga estudiantil se inció. En 1913 llegó a ser el director de la Academia Nacional de Bellas Artes. En el mismo año fundó la Escuela al Aire Libre de Pintura en Santa Anita, Iztapalapa, y en 1926 exhibió las obras de sus alumnos en Europa. Emigró a los Estados Unidos, donde pintó varios murales y presentó diversas exposiciones. En 1992 la muestra retrospectiva Alfredo Ramos Martínez (1871-1946) fue organizada en el Museo Nacional de Arte de la ciudad de México.















Kikka Roja

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